Resa
STORYTELLING ÄR EN utökad process. För att låna från ljud- / videoterminologi finns det en produktionsfas och en efterproduktionsfas. Produktion är där du är ute i fältet och samlar råmaterial - anteckna, intervjua människor, ställa in bilder - med andra ord "få" historien.
Efterproduktionen kommer efteråt. Det är redigeringsfasen, periodfotograferna korrigerar färger, beskärning och olika bildnivåer för att bäst representera upplevelsens känslor och känsla. Periodvideograferna skrubbar bilder och loggar scener innan de börjar ordna dem. Processen med att journalister går igenom sidor med anteckningar och räknar ut hur de olika bitarna av dialog och observationer passar samman samman i en berättelse.
För vissa, till exempel bloggare, kan "postproduktion" vara mycket kort, en fråga om att snabbt publicera om dina erfarenheter eller insikter bara timmar eller till och med några minuter efter att de inträffar. Men oavsett vilken typ av historia du berättar finns det några viktiga takeaways när man tittar på mönstren för produktion / efterproduktion.
Först: Du kan redigera och polera arbete för alltid, men vanligtvis är allt du behöver jobba med allt du behöver. Det är vanligtvis svårt eller omöjligt att gå tillbaka och få mer råmaterial. Därför planerar proffsen sitt arbete kring specifika "skott" där de har sitt ämne (oavsett om det är en idrottsman eller modell eller en specifik plats eller produkt) och all belysning, ljud och andra element de behöver där vid rätt tidpunkt.
Oavsett vilken typ av berättare vi är, kan vi anta samma logik. Enkelt uttryckt, ju mer du kan tydligt identifiera ditt ämne, desto mer effektiva historier kommer du att berätta på alla nivåer. Det handlar både om ett utökat projekt och bara inom varje ögonblick - ta ett foto eller anteckningar om en viss scen eller konversation.
De flesta filmskapare, journalister och andra som arbetar med stora projekt vet inte nödvändigtvis vart den exakta historien går innan de börjar. Faktum är att många har ingen aning; det är något de ofta räknar ut under efterproduktionen. Men att gå in i ett projekt - oavsett om det är en dokumentär om hotade språk i Chile eller bara resa till Alaska i hopp om att fotografera aurora borealis - de är helt tydliga på vad ämnet är. Detta är skillnaden mellan proffs som tar ett uppdragsdrivet tillvägagångssätt, drar nytta av sin produktionsfas, och nybörjaren som kanske bara reser runt och tar bilder och anteckningar slumpmässigt på vad som slår till.
Fördelar bestämmer ämnet. Om de är fotografer, kommer de att observera sina omgivningar och definiera sitt ämne före något annat, justera sedan deras komposition så att varje element i bilden betonar stämningen, känslorna och atmosfären i det motivet. Om de är författare, kommer de att finslipa inte bara på en plats eller "karaktär" utan de viktigaste detaljerna för den karaktären eller platsen som stöder historien de försöker berätta.
Komplex kontra flerskiktad
De flesta nybörjarhistorier tenderar att vara komplicerade men enskiktade. De tar dussintals olika saker och försöker sätta ihop dem alla. Däremot tenderar proffernas berättelser att vara enkla och ändå flerskiktade. Med andra ord finns det en lättidentifierbar berättelse båge eller ämne, men genom denna enkelhet är komplexa lager av information, känslor. Återigen kommer det ner till hur tydligt berättaren tar tag i sitt ämne.
Vad är ditt ämne?
Det är viktigt att inte begränsa dig när du bestämmer ditt ämne. I en bild, till exempel, kan motivet bara vara en stämning eller ett mönster, till exempel fotot tomma till höger nedan. Det kan vara ett visst ljus eller utseendet i en person eller ett djur.
I en skriftlig berättelse kan det vara en speciell karaktär eller plats, men det kan också vara en kvalitet eller dynamisk - säg motståndskraften hos en grupp människor som möter förändrade ekonomiska tider. I det här fallet behöver varje detalj i din berättelse - vad du letar efter i produktionsfasen och hur du formar den i efterproduktion - stödja detta ämne.
Vad är historien? Väldighet? Ödslighet? Genom att förenkla motivet avslöjar kompositionen lager, djup. Bild av Colby Brown.
Liksom med allt annat i berättelsen är det en färdighet att ta tid och öva att räkna ut ditt ämne. Här är två överväganden som hjälper dig att komma igång:
1. Modellframgång
Modeller hur mästare berättar sina ämnen. Hitta en mentor. För mig var det de nya journalistmästarna som Gay Talese och Truman Capote. Jag älskade hur de profilerade karaktärer och så modellerade deras metoder för att”skugga” någon under en dag i sina liv.
Om du är en fotograf, vars arbete inspirerar dig? Hur berättar deras kompositioner en historia? Spendera så mycket tid på att dekonstruera dem att du blir expert på deras tekniker. Efter tillräckligt med tid börjar du ta reda på dina egna ursprungliga sätt att hitta ämnen.
2. Förväxla inte din personliga historia (särskilt under produktion) för ämnet
Många berättande berättare förvirrar stunder som”del av berättelsen” helt enkelt för att de hände under produktionen. Till exempel på mitt första journalistuppdrag till Sydamerika (en serie intervjuer med Madres of Plaza del Mayo) fann jag att hela upplevelsen satte mig i en slags trans. Varje dag hörde jag mammors berättelser om att deras barn”försvann” under det smutsiga kriget. Och sedan under andra ögonblick på dagen i Buenos Aires skulle saker hända som laddades med de känslor som byggdes upp genom dessa intervjuer.
En gång kom jag ut ur en taxi och mötte ansikte mot ansikte med en åldrande militär (arméns officer) som kunde ha varit inblandad i de mycket försvinnanden som mammorna hade lidit. Men istället för att prata med honom, ställa frågor till honom, stanna uppdragsdrivna, glömde jag ämnet (delade moders berättelser om mod) en stund och placerade mitt eget känsla av att bli överväldigad som "berättelsen.".
Just nu, var du än är, överväga: Vad är det som verkligen betyder för dig? Vad kan du se dig själv skriva om inte bara idag utan tio år från och med nu? Hur kan du dela upp detta övergripande tema i små bitar, som var och en kan bli ämnen för framtida arbete?
